Oggi al Must di Lecce è stata inaugurata mostra di Laura Aguglia: dipinti dal 2007 al 2023, a cura di Raffaele Casciaro

LECCE – Laura Aguglia espone “Dipinti”, a cura di Raffaele Casciaro, presso MUST, dal 29 dicembre 2023 fino 14 gennaio 2024. 

Circa quaranta dipinti a colori acrilici su tela, eseguiti tra 2007 e 2023 compongono la prima mostra personale di Laura Aguglia. L’autrice nasce a Lecce il 14 maggio del 1966. Si laurea presso l’università degli studi di Firenze, Facoltà di Architettura. Vive e lavora a Lecce come architetto.

Parallelamente al corso di studi frequenta a Firenze, per un paio d’anni, il corso di pittura “Approccio al colore” di Fiorenza De Angelis. Anni dopo segue a Lecce il corso di pittura di Cecilia Polito, presso la scuola Eugenio Maccagnani.

La selezione delle opere ha privilegiato volti e alberi, i due soggetti più frequenti nel suo percorso di artista, sebbene non gli unici.

Il processo creativo di Laura Aguglia è fatto di un percorso di lungo periodo attraversato da fasi e da un movimento paragonabile a una serie di onde. La direzione è coerente, va verso una progressiva sintesi, sia cromatica sia del tratto. Non mancano oscillazioni, onde appunto, che nascono dal bisogno di riconfrontarsi con l’oggettività, con l’osservazione della realtà da cui ripartire. Tutto questo nasce dalla convinzione che la libertà è figlia della disciplina, dell’acquisizione del possesso delle proprie risorse fisiche e mentali. Il paragone è con la danza, che l’autrice ha praticato in età adulta, dai 31 ai 45 anni: prima di liberare la propria espressività occorre l’esercizio alla sbarra. È il ritorno allo studio necessario per ritrovare la creatività libera, anche su opere già eseguite, “finite”.

La sua cifra distintiva trova nella spatola lo strumento d’elezione. I colpi che attraversano le figure riflettono lo sguardo penetrante dell’artista, che si sviluppa in un gesto rapido e sicuro con cui ingaggia la sua sfida alla tela bianca. Dipingere come in una gara di scherma, più di taglio che di punta: ogni assalto lascia letteralmente il segno, una ferita in positivo, che non scava ma rileva. Pennellate, spatolate che fanno emergere le figure dal fondo come lampi, intuizioni, frammenti di verità.  In questa tecnica c’è molta fisicità, unita ad un grande controllo. Alle spalle esercizio, disciplina, mestiere.

Tra le fonti di ispirazione, l’espressionismo e la sua “onda lunga”, che passa da Lucien Freud e Jenny Seville, ma la sua interiorità è più delicata, in lei l’esigenza espressiva lotta con la forma ma non la violenta mai.

Scrive Laura: «Così come è impulsiva ed immediata la possibilità di afferrare il pennello per stendere il colore carezzando la tela o di brandire la spatola e tirarlo con un gesto deciso, come fosse uno strato di bruma, rada o più fitta… quasi a voler frapporre un velo, ridurre la trasparenza, offuscare la realtà per generarne un ricordo… lasciare intravedere l’essenza più intima del soggetto ritratto». È ciò che lei chiama «mantenere il contatto», il contatto tra la materia, il gesto e il soggetto individuato dalla mente.

(dal foglio di sala di Raffaele Casciaro, storico dell’arte, Università del Salento)

BIOGRAFIA E RECENSIONE 

Laura Aguglia nasce a Lecce il 14 maggio del 1966.

Si laurea presso l’università degli studi di Firenze, Facoltà di Architettura. Vive e lavora a Lecce come architetto.

Parallelamente al corso di studi frequenta a Firenze, per un paio d’anni, il corso di pittura “Approccio al colore” di Fiorenza De Angelis. Anni dopo segue a Lecce il corso di pittura di Cecilia Polito, presso la scuola Eugenio Maccagnani.

Dipinge per passione e urgenza vitale.

 Volti e alberi. La selezione dei dipinti di Laura Aguglia ha privilegiato questi due soggetti, i più frequenti nel suo percorso di artista, sebbene non gli unici. Per calarsi nella sua dimensione creativa potevamo ricorrere alla metafora del paesaggio, suggerita certamente dagli alberi, ma anche dai volti – come non ricordare i “ritratti-paesaggio” della pittura fiamminga –, ma allusiva anche al paesaggio interiore, a come questo si modelli dialetticamente nel confronto tra il soggetto e la realtà. C’è però una componente essenziale in questi dipinti che la parola paesaggio, peraltro oggi un po’ consumata, non riesce a rappresentare ed è il loro aspetto dinamico, anzi combattivo. È Laura stessa a spiegarcelo:

«La pittura è una forma di opposizione, un mezzo per resistere al turbamento, allo sconcerto, al dolore, alla paura». 

Dipingere per Laura è un esercizio fisico, una disciplina, che sottende un’esigenza di controllare il gesto, come nella danza, che appartiene peraltro all’esperienza dell’autrice, che ha praticato la danza contemporanea in età adulta, dai 31 ai 45 anni. Il turbamento che nasce dal confronto con la realtà è ricomposto in un’azione che ne registra la violenza per trascenderla: «È come un processo di ruminazione durante il quale via via si genera un adattamento, una comprensione, una messa a fuoco e poi, un superamento».

L’opera che possiamo considerare l’epitome di questo processo è Bataclan, del 2015. Le figure scheggiate registrano l’urto emotivo e fisico della tragedia, ma la loro immagine resiste alla distruzione, la incorpora e la trascende nello stile.

L’identità stilistica di Laura Aguglia, la sua cifra distintiva trova nella spatola lo strumento d’elezione. I colpi che attraversano le figure riflettono lo sguardo penetrante dell’artista, che si sviluppa in un gesto rapido e sicuro con cui ingaggia la sua sfida alla tela bianca. Dipingere come in una gara di scherma, più di taglio che di punta: ogni assalto lascia letteralmente il segno, una ferita in positivo, che non scava ma rileva. Pennellate, spatolate che fanno emergere le figure dal fondo come lampi, intuizioni, frammenti di verità. In questa tecnica c’è molta fisicità, unita ad un grande controllo. Alle spalle esercizio, disciplina, mestiere.

La padronanza del gesto produce la coerenza del dipinto, la conduzione sicura di un testo figurativo senza cedimenti, in un linguaggio che rifugge le approssimazioni. In questa sicurezza sta il motivo del mio apprezzamento personale per la pittura di Laura. Sono tra quelli che credono fermamente che in arte il cosa conta meno del come.

Il suo processo creativo è fatto di un percorso di lungo periodo attraversato da fasi e da un movimento paragonabile a una serie di onde. La direzione è coerente, va verso una progressiva sintesi, sia cromatica sia del tratto, come emerge per esempio dal confronto di due ritratti, Marco del 2013 e Maria Luisa del 2023 e ancor di più tra Andrea 2010 e Giulia 2022. Ma non mancano oscillazioni, onde appunto, che nascono dal bisogno di riconfrontarsi con l’oggettività, con l’osservazione della realtà da cui ripartire. Tutto questo nasce dalla convinzione che la libertà è figlia della disciplina, dell’acquisizione del possesso delle proprie risorse fisiche e mentali. Anche qui il paragone è con la danza: prima di liberare la propria espressività occorre l’esercizio alla sbarra. È il ritorno allo studio necessario per ritrovare la creatività libera, anche su opere già eseguite, “finite”: «Non mi spaventa apportare modifiche, distruggere un’immagine, se il lavoro che ho fatto non mi convince. Con un quadro instauro sempre un rapporto di reciprocità, una sorta di “do ut des”, agisco poi mi allontano, ci ritorno, lavoro e lascio decantare… e cosi di nuovo… dipingo, poi prendotempo, lo guardo, lo interrogo, ci convivo». 

Giorgio senior 2023 contiene in sé queste onde. È il frutto di una rilavorazione del ritratto dello stesso soggetto eseguito nel 2009. La versione originale era meno oggettiva. Ma questo ripensamento non è un rinnegarsi, è un atto di onestà verso se stessi e ancor più verso il soggetto e comunque anche il maggiore realismo è una fase nuova, in cui il tratto più misurato è frutto di un livello superiore di controllo e dunque anche di stile.

Ho usato la parola onestà, aggiungerei la parola rispetto. Alcuni ritratti appaiono più fotografici e non perché sono le fotografie il punto di partenza della ritrattistica di Laura, ma perché il rapporto con il soggetto non arriva a sondare, violare l’intimità della persona. La pittura si fa meno espressionista, non è il risultato di un’interazione profonda ma un avvicinamento delicato e, appunto, rispettoso. Non a caso appartengono a questo filone i ritratti dei bambini, o quelli di amici per i quali prevale un senso di protezione, che spiega la singolarità stilistica di opere come Katia 2018.

E qui si pone un rapporto di reciprocità, perché se è vero che «Il riflesso di uno stato d’animo influenza anche la scelta del soggetto da ritrarre, sia esso una veduta, uno scorcio o piuttosto una figura umana, un volto», è anche vero che il soggetto da ritrarre interferisce con la soggettività del pittore, allo stesso modo in cui la materialità della pittura suggerisce soluzioni al gesto che la manipola.

Ritrarre alberi pertanto è diverso dal ritrarre persone, pur usando la stessa tecnica. Lo stato d’animo di chi dipinge trova meno resistenza nell’albero, la cui immagine potrebbe costituire un più comodo presupposto di  oggettività e invece diventa uno schermo su cui proiettare con più libertà. Infatti è qui che la sperimentazione stilistica di Laura si manifesta nella gamma più ampia. La vegetazione dipinta è veramente il riflesso di un’emozione. A volte il bosco rasenta l’astrazione, a volte è la sensibilità dell’autrice a lasciarsi impressionare come una pellicola fotosensibile, a volte ancora il colore si lascia forzare dall’ «urgenza vitale».

Ed è qui arrivato il momento di riconoscere nella pittura di Laura Aguglia la suggestione di un’esperienza che attraversa tutta la contemporaneità, ossia l’onda lunga dell’espressionismo. Vengono a mente Lucien Freud o Jenny Saville, che in effetti sono autori molto ammirati da Laura e nei quali si riconosce una parte della sua ispirazione. L’interiorità di Laura però è più delicata, in lei l’esigenza espressiva lotta con la forma ma non la violenta mai. «Così come è impulsiva ed immediata la possibilità di afferrare il pennello per stendere il colore carezzando la tela o di brandire la spatola e tirarlo con un gesto deciso, come fosse uno strato di bruma, rada o più fitta… quasi a voler frapporre un velo, ridurre la trasparenza, offuscare la realtà per generarne un ricordo… lasciare intravedere l’essenza più intima del soggetto ritratto». È ciò che Laura chiama «mantenere il contatto», il contatto tra la materia, il gesto e il soggetto individuato dalla mente.

Si continua a riflettere, ma forse non abbastanza, su cosa sia realmente un’esperienza artistica nel panorama dell’arte contemporanea, nel quale tutto sembra possibile e proprio per questo poco, pochissimo oltrepassa la barriera dell’effettiva comprensione, per non parlare della condivisione.

Ecco, il «contatto» è una strada, certamente non l’unica, nel caso di Laura Aguglia è quantomeno una chiave di lettura.  

Raffaele Casciaro, dicembre 2023