“Salento a pArte”: Carolina Sperti

Grazia, eleganza e unicità: sono gli aggettivi che contraddistinguono le sue sculture, ma anche la sua personalità. Stiamo parlando di Carolina Sperti, artista salentina nata a Galatina ma cresciuta e vissuta a Lecce. Laureata in filosofia e insegnante di professione, ad un certo punto della sua vita scopre la passione per la scultura, da sempre radicata in lei. Con il tempo, la sua produzione artistica si specializza nella realizzazione di sculture femminili dai tratti delicati e dalle forme originali che diventano, così, la sua cifra stilistica.

Grazie al suo talento e alla particolarità delle sue opere, nel 2017 viene scelta per collaborare alla serie televisiva “Sorelle” in onda su Rai 1 con Anna Valle, Giorgio Marchesi e Loretta Goggi, diretta da Cinzia TH Torrini

Nel corso della sua carriera, inoltre, partecipa a numerose mostre e tiene diversi laboratori artistici e di scrittura, anche presso il carcere di Lecce.

Oltre alla scultura, si è cimentata anche nella poesia e nella pittura, che considera, però, solo un hobby. Da sempre appassionata di psicologia, sceglie come argomento della sua tesi di laurea “lo sdoppiamento di personalità e personalità multiple”.

Quale è, secondo te, il punto di incontro tra filosofia e arte?

Secondo me c’è un forte legame tra filosofia e arte, anche perché in origine non c’erano delle distinzioni nette tra le varie discipline e nell’una era inglobata anche l’altra. Quindi sono dell’idea che la filosofia riesca a cogliere proprio l’essenza stessa dell’arte.

In questo periodo storico particolare, poi, in cui l’esperienza della pandemia prima e quella della guerra poi, hanno messo in discussione ciò che noi pensavamo fossero dei punti fermi della vita, ritengo che l’arte possa aiutare a dare il giusto valore a ciò che è veramente importante e significativo per l’essere umano e che, in un certo senso, è inattaccabile dagli eventi esterni, che è la grande ricchezza che ognuno di noi ha.

Come è nata la passione per la scultura? C’è sempre stata o l’hai scoperta pian piano?

Diciamo che ho sempre avuto molta manualità e mi è sempre piaciuto, sin da bambina, plasmare la materia. Ricordo che da piccola ero attirata dalla terra: la prendevo, la mischiavo con l’acqua e la lavoravo. Mi piaceva proprio il fatto dell’impastare. Poi, nel 2001, subito dopo la laurea,  spinta da questa forte attrazione verso la plasticità, seguii un corso di ceramica della durata di un anno, organizzato dalla Società Operaia di Lecce con la maestra Maria Teresa Gigante. Lì ho avuto i primi approcci con la lavorazione dell’argilla, quindi ho appreso proprio i rudimenti di base. Così è iniziato il mio percorso.

In seguito, per un periodo, ho fatto anche una sorta di pratica nel laboratorio artigianale dei fratelli Martina a San Pietro in Lama. Dopodiché ho iniziato a lavorare e a fare dei manufatti per conto mio, ma ancora, chiaramente, non si era sviluppato il mio stile. Tra le varie sculture che realizzavo c’erano anche queste figure di donna che allora erano molto primordiali e non erano ancora ben strutturate e ben definite.

Fondamentale per il mio percorso è stato poi l’incontro con l’artista Maurizio Muscettola: è stato lui, infatti, a farmi notare la particolarità dei manufatti che realizzavo; io non ne ero consapevole. Così mi sono specializzata nella produzione di questo tipo di sculture femminili, che sono diventate il mio tratto distintivo e la caratteristica del mio lavoro.

Come mai hai scelto proprio il soggetto femminile?

Perché, siccome credo che la psicologia femminile sia molto sfaccettata, varia e complessa, penso che riesca meglio ad esprimere anche ciò che non appartiene necessariamente al mondo delle donne, ma che riguarda in generale la vita, la natura e tutto ciò che ci circonda.

Quali sono le caratteristiche delle tue sculture?

Ci sono delle caratteristiche essenziali che erano presenti già nelle prime statuine che ho realizzato e che sono rimaste fisse nel tempo: i capelli raccolti, che per me sono un segno di sobrietà e di essenzialità; gli abiti lunghi, che sembrano un po’ senza tempo, anche se legati al territorio (in quanto tipici della civiltà contadina degli anni passati) e le braccia allungate che si avvolgono intorno al corpo, in una sorta di abbraccio. Poi piano piano le mie sculture hanno subito dei cambiamenti: per esempio queste figure, nel corso del tempo le ho volute slanciare sempre di più verso l’alto e le ho rese più sottili e filiformi. Soprattutto, ho voluto dare loro questo senso di verticalità, con i visi rivolti sempre verso il cielo, a simboleggiare un po’ il nostro “essere con la testa tra le nuvole”. Perché le donne, in fondo, sono delle sognatrici e amano perdersi nei loro pensieri. È anche per questo che hanno tutte gli occhi chiusi: sono, infatti, immerse nel loro mondo.

Come nascono le tue opere? Da dove trai ispirazione?

 Traggo ispirazione da quello che mi sta intorno, che possono essere delle immagini o dei particolari che mi suggestionano e che mi suscitano delle emozioni. Per fare un esempio, alcune statue che ho realizzato sono ispirate alle cave, perché mi piacciono molto e mi hanno sempre affascinata: mi trasmettono, infatti, un senso di grandiosità. Queste si chiamano: “La Cava 1” e “La Cava 2”.

Anche la filosofia è un’importante fonte di ispirazione per me. Uno dei concetti che inserisco spesso nelle mie opere, ad esempio, è quello dell’armonia degli opposti: il contrasto, cioè, tra due cose apparentemente antitetiche che però, in realtà, sono unite.

Tutti noi, infatti, siamo spesso portati a vedere le cose o in bianco o in nero, pensando che l’uno escluda l’altro, senza pensare, invece, che se uno esiste è proprio perché esiste l’altro.

A tal proposito, ultimamente, ho realizzate due sculture: una si chiama “Pangea” e l’altra si chiama “Panthalassa”. La prima è ispirata alla nascita della terra, della quale richiama i colori,  mentre la seconda è dedicata all’origine degli oceani e presenta le tonalità dei fondali marini. Terra e acqua sono due elementi diversi, in un certo senso contrastanti, ma che si rivelano, alla fine, complementari.

Una delle mie statuine poi è ispirata a mia nonna, che adesso non c’è più, e si chiama “Filomena pensieri di cenere”. In quest’ultima rivedo la sua gestualità, il suo essere all’antica per certi versi, ma allo stesso tempo progressista per altri, il suo aspetto casalingo, che è quello che io ricordo di più da bambina, ma anche la sua forte femminilità. Tutti la conoscevano come Memi, perché lei odiava il suo nome, invece a me piace moltissimo, per questo ho deciso di chiamarla così. Sono molto legata a questa scultura, infatti è una di quelle che non vendo.

Degli elementi ricorrenti nelle mie opere sono, inoltre, le chiavi e le serrature, che simboleggiano l’inaccessibilità dell’universo femminile: quello delle donne, infatti, è un mondo pieno di segreti e di cose anche forse incomprensibili. Alcune sculture, proprio per questo, hanno le braccia ingarbugliate, come segno della complessità dei pensieri che si intrecciano.

I nomi che scegli per le tue sculture sono molto particolari. Come ti vengono?

 Diciamo che mi piace giocare un po’ con la fantasia: ad esempio ce n’è una che si chiama la “Prestigiatrice Sbilenca” oppure un’altra si chiama “La sensitiva”, perché secondo me le donne, avendo meno filtri e forse anche meno inibizioni, sono più introspettive e quindi riescono, a “sentire” di più.

Poi, quando è possibile, anche nei nomi mi piace inserire dei contrasti: ad esempio ne ho realizzata una dal nome “Radici celesti”, che è alta 1.70 m ed è in assoluto la più grande che ho fatto. La parte inferiore di questa scultura sembra quasi un tronco, tanto che molti mi hanno chiesto se fosse fatta di legno, invece si tratta semplicemente di cemento, che io poi ho lavorato. La parte superiore, invece, è sempre rivolta con lo sguardo verso il cielo.

Un altro nome particolare è “La raccoglitrice di vermi danzanti”: in questa scultura c’è il contrasto tra la donna così bella ed elegante e la melma che si trova ai suoi piedi, con i vermi che si muovono e che sembrano quasi danzare. Lei però li raccoglie lo stesso, perciò questo concetto della danza fa percepire i vermi, che normalmente procurano un senso di disgusto, in una maniera diversa, più piacevole.

Le tue sculture sono state  protagoniste della fiction “Sorelle” in onda su Rai 1 nel 2017. Ci racconti come è andata?

È stata una sorpresa e una grande soddisfazione. Un giorno mi telefonò l’architetto che si occupava dell’allestimento delle scene di questa fiction e mi disse che le mie sculture erano state selezionate. Io non mi ero candidata, lui praticamente aveva fatto una ricerca su internet ed era approdato al mio sito, dove era rimasto colpito dalle mie opere. Così mi propose di collaborare, realizzando delle sculture apposite per la trama della serie tv e io, ovviamente, accettai. Non riuscivo a credere al fatto che tra tutta Italia avessero scelto proprio me! È stata una emozione indescrivibile.

In questa fiction una delle protagoniste, Elena Silani, interpretata da Ana Caterina Morariu (che era appunto la sorella di Chiara, interpretata, invece, da Anna Valle) era un’artista, perciò le sculture che mi hanno commissionato erano per lei.

Queste dovevano avere delle caratteristiche ben precise: come prima cosa, dovevano essere incinte e, poi, dovevano essere di 25 cm (infatti sono quelle più piccole in assoluto che abbia mai scolpito). Inoltre me ne hanno fatte realizzare più di una uguali, mi sembra cinque, perché la scena della fiction prevedeva che la scultura dovesse cadere e rompersi. Oltre a queste poi, spedii anche altre mie sculture, che avevo realizzato in precedenza, che servivano ad allestire il laboratorio e la casa di Elena. Tra quelle che inviai c’era pure “Filomena pensieri di cenere”, dalla quale sono stata costretta a separarmi per un po’ di tempo, ma per una buona causa.

Sono anche andata sul set, sia a Matera dove era ambientata la serie tv, sia negli Studios a Roma e ho conosciuto Anna Valle e Cinzia TH Torrini. È stata davvero una bellissima esperienza.

       Di quali materiali sono fatte le tue sculture?

Nel corso del tempo ho sperimentato diversi materiali. Io uso prevalentemente l’argilla e il cemento; con il ferro, invece, realizzo solo degli inserti.

Anche in questo caso il fatto di unire il cemento e l’argilla ha un valore simbolico per me: il primo, infatti, è un materiale legato alla modernità; il secondo, invece, è stato uno dei primi materiali utilizzati, già a partire dalla preistoria. Ritorna anche qui, quindi, il concetto di armonia degli opposti.

Per quanto riguarda gli strumenti, invece, cosa utilizzi?

Io ho un piccolo tornio che uso per una questione di comodità, perché girando la base chiaramente posso osservare la scultura da tutte le angolazioni. Per quanto riguarda gli strumenti, oltre a quelli classici per lavorare l’argilla, in realtà si può usare di tutto. Dipende anche da quello che si deve fare: io, ad esempio, per definire utilizzo dei bastoncini di legno. Li trovo molto utili proprio perché sono realizzati con un materiale che non si attacca all’argilla, a differenza, ad esempio, della plastica. Dopodiché i manufatti devono essere cotti nel forno, che però io non ho qui, perciò li porto in un laboratorio situato a San Pietro in Lama.

Con quale frequenza scolpisci?

In maniera molto discontinua. Ci sono dei periodi in cui sono completamente immersa nel lavoro, altri periodi in cui proprio abbandono. Non è una attività che porto avanti in maniera assidua: realizzo solo quando sono ispirata, a meno che non debba realizzare sculture su commissione, ovviamente.

Nei periodi in cui non lavoro, comunque, mi vengono in mente delle idee e il tempo mi dà anche la possibilità di capire come concretizzarle. Perciò mi aiuta molto il fatto di programmare le varie fasi del lavoro, perché poi bisogna trovare il metodo anche da un punto di vista tecnico per realizzare le varie sculture: ad esempio devo capire quali materiali usare e come assemblarli. A volte faccio anche degli schizzi preparatori per aiutarmi. Non lascio mai per periodi troppo lunghi comunque. Attualmente sto lavorando molto perché mi sono stati commissionati dei lavori.

Hai mai partecipato a dei concorsi?

Si, ho partecipato a due mostre con concorso annesso e, in entrambi i casi, ho vinto un premio. Il primo, nel 2015, era un concorso a Martina Franca in cui mi sono aggiudicata il “Premio Itria d’arte” per la scultura (perché c’erano diverse sezioni). È stata una grande soddisfazione, non me lo aspettavo assolutamente.

Il secondo è stato a Gallipoli nel 2017 e lì mi sono classificata terza per la scultura, (perché anche in quel caso c’erano diverse discipline), vincendo il “Premio International Art”. Tra l’altro in quella occasione, tra i giurati, c’era anche il nipote di Sciascia, Carlo Roberto Sciascia, in qualità di critico d’arte.

Quando hai iniziato ad esporre i tuoi lavori?

 Nel 2012. La maggior parte delle mostre a cui ho partecipato sono delle collettive.

Una mostra personale l’ho fatta a Giovinazzo nel gennaio 2016 e si intitolava “Le terre di mezzo”: in quell’occasione associai ad ogni scultura una mia poesia. Nel 2013, infatti, ho pubblicato una raccolta di poesie dal titolo “Sentore di coccinelle”. Questa mostra è stata una bellissima esperienza proprio perché si è creato un filo conduttore tra varie forme di espressione. Associarle è stato facile dal momento che c’era un naturale collegamento tra le poesie e le sculture che avevo realizzato: entrambe, infatti, derivavano dalla mia visione del mondo e della vita. Perciò i temi erano gli stessi, solo che in un caso erano espressi a parole, nell’altro, invece, attraverso la materia.

L’ultima mostra a cui ho partecipato risale all’estate scorsa a Roca Nuova. Era una collettiva di pittura e scultura, organizzata dall’associazione artistica di Regina Resta di cui faccio parte, “I colori del Salento”. In questi giorni, inoltre, avrei dovuto partecipare ad un’altra mostra collettiva, organizzata sempre da questa associazione, a Pesaro, però poi per vari motivi non è stato più possibile.

 Di cosa parlano le tue poesie contenute nella raccolta “Sentore di coccinelle”? Come mai hai scelto proprio questo titolo?

 Sono 25 poesie e sono molto varie: le prime che ho scritto, ad esempio, sono molto intimiste. Alcune sono incentrate sulla mia concezione della natura (che io reputo, innanzitutto, animata, da qualcosa però che non saprei definire. D’altronde qualsiasi definizione sarebbe sbagliata, perché sarebbe sempre limitata a quelli che sono i filtri umani). Altre sono ispirate a esperienze che ho vissuto come, ad esempio, il viaggio in India. Ce ne sono diverse, poi, che riguardano problemi sociali. I temi prevalenti, comunque, sono quelli esistenziali.

Queste poesie io le ho tenute nel cassetto per tanto tempo; ad un certo punto ho deciso di pubblicarle. Dopo questa esperienza, però, non ho più scritto, perché ho capito che più che con le parole, riesco ad esprimermi meglio attraverso il corpo, che reputo sicuramente più autentico ed intuitivo. Sono giunta a questa consapevolezza anche attraverso la mia passione per il ballo che nutro fin da piccola e che non mi ha mai abbandonata. Da bambina, infatti, ho fatto 10 anni di danza classica, ma nel corso del tempo ho studiato anche danza moderna, contemporanea, flamenco, tango e ultimamente latino-americano, che mi appassiona molto.

Il titolo “Sentore di coccinelle” mi rimanda all’infanzia: quando ero piccola, infatti, andavo spesso in giro in campagna, soprattutto nelle giornate primaverili, e avvertivo un odore particolare che associavo alle coccinelle.

Nel 2012 hai tenuto anche un laboratorio di scrittura creativa presso la casa circondariale di Lecce nel reparto infermeria, rivolto a detenuti affetti da disturbi psichici. Come è stata questa esperienza?

È stata una esperienza bellissima, molto forte, che mi è rimasta impressa. Il laboratorio l’abbiamo organizzato io e una mia amica ed è durato circa un anno. Abbiamo fatto diversi incontri  in cui abbiamo anche mostrato ai detenuti delle immagini o degli oggetti, per cercare di stimolare la loro memoria emotiva e per vedere quali ricordi o quali emozioni suscitassero in loro, per poi esprimerli attraverso la scrittura. Molto spesso, infatti, queste persone avevano difficoltà a manifestare ciò che provavano, ad esempio quando dovevano scrivere lettere ai familiari. Quindi il nostro scopo era proprio quello di aiutarli a tirare fuori i loro pensieri e i loro sentimenti. In particolare abbiamo stabilito un rapporto speciale con un detenuto che era diagnosticato schizofrenico ma che scriveva delle bellissime poesie, tant’è vero che poi lo abbiamo fatto partecipare ad un concorso di poesia, nel quale ha anche vinto un premio. È stata veramente un’emozione enorme.  

Questa esperienza mi ha colpita molto anche per il fatto della concezione stessa della malattia mentale: nonostante, infatti, questi detenuti soffrissero di crisi epilettiche, di depressione cronica, di bipolarismo, e così via, erano persone con le quali si poteva dialogare tranquillamente. Con alcuni chiaramente è stato più facile, altri erano un po’ più chiusi, però questo fa parte delle differenze caratteriali che esistono in generale. Tutti, comunque, sono stati sempre educatissimi.

Avremmo voluto organizzare anche dei laboratori artistici, però poi non abbiamo avuto i finanziamenti necessari, quindi il progetto è sfumato.

Questa estate, a tal proposito, hai tenuto un laboratorio artistico per bambini intitolato “In mezzo alla natura”. Come è stato insegnare la scultura ai bambini? Il riscontro è stato positivo?

Questo laboratorio l’ho organizzato io insieme alla pittrice Annamaria Di Maggio,  con la quale faccio spesso delle mostre, e si è articolato in diverse giornate nei mesi di luglio e agosto, presso la masseria del Parco Naturale Regionale Bosco e Paludi di Rauccio a Torre Chianca, marina di Lecce. Era rivolto ai bambini dai 6 agli 11 anni, con l’obiettivo di sviluppare in loro la manualità, il senso estetico e l’amore per la natura.

Il riscontro è stato molto positivo. Alla fine di questa esperienza, i piccoli hanno realizzato dei lavoretti che avevano sempre a che fare con la natura, ovvero delle tavolette e delle lastre con dei paesaggi naturali che poi sono quelli tipici del Salento, quindi la macchia mediterranea.

Tu sei anche un’ insegnante. C’è un legame tra questo lavoro e la passione per la scultura?

Il lavoro di insegnante non è una fonte di ispirazione diretta per la mia attività artistica, ma lo è di riflesso. Mi arricchisce, più che altro, da un punto di vista umano, perché il contatto con i ragazzi e anche con i bambini mi mette in comunicazione con altri mondi e in un certo senso, a volte, mi fa ripercorrere la mia vita, facendomela vedere con gli occhi di quando ero ragazzina. Questo, indirettamente, influenza anche la mia arte.

Faccio l’insegnante da circa 15 anni. Ho iniziato facendo assistenza didattica a ragazzi con difficoltà di apprendimento e adesso seguo, dando ripetizioni private, studenti dalle scuole elementari alle scuole superiori. Mi capita però anche di aiutare ragazzi universitari, ad esempio poco tempo fa ho seguito una studentessa nella stesura della tesi di laurea.

Carolina Sperti è una di quelle persone che resteresti ad ascoltare per ore e ore. Attraverso le sue parole, infatti, riesce a trasmettere la sua passione e a trascinarti nel suo mondo, fatto di dolcezza e sensibilità. Una donna dall’animo profondo che propone tanti spunti di riflessione interessanti e un’artista raffinata e di grande spessore culturale.

Oltre che nelle varie mostre, è possibile acquistare le sue sculture presso il negozio “Chiarodiluna” in via Giuseppe Libertini a Lecce o presso la Fondazione Palmieri, proprio alle spalle del Duomo, dove ce ne sono alcune in esposizione permanente.

Inoltre è possibile contattarla tramite la sua pagina Facebook “Carolina Sperti artista” all’interno della quale sono presenti tutte le informazioni utili, le sue sculture e le sue mostre. Il suo laboratorio ha sede a Lecce.

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